สารบัญ:
2025 ผู้เขียน: John Day | [email protected]. แก้ไขล่าสุด: 2025-01-13 06:58
ยินดีต้อนรับ
คู่มือแนะนำนี้จะช่วยผู้เริ่มต้นจนถึงผู้ผลิตเพลงระดับกลางในการใช้ FL Studio เพื่อสร้างแนวเพลง Electronic Dance Music ประเภทต่างๆ มันจะทำงานผ่านองค์ประกอบพื้นฐานของการสร้างเพลง โดยมีจุดประสงค์เพื่อให้รายละเอียดเกี่ยวกับเคล็ดลับและลูกเล่นพื้นฐานที่โปรดิวเซอร์รายใหม่จะพบว่ามีประโยชน์ในการทำลายพื้นด้วยอินเทอร์เฟซที่น่ากลัวของ FL Studio
แม้ว่าจะไม่ได้ครอบคลุมทุกแง่มุมของการผลิตเพลง แต่จะมีการแนะนำหัวข้อที่สำคัญที่สุดบางหัวข้อ ผู้ผลิตระดับกลางจะได้รับประโยชน์จากการอธิบายกระบวนการสร้างสรรค์ตลอดจนคำแนะนำในการผสมและการสังเคราะห์
สิ่งที่คุณต้องการ:
· FL Studio 10 หรือเวอร์ชันที่ใหม่กว่า
· ซอฟต์แวร์ซินธิไซเซอร์ (แมสซีฟ เซรั่ม ฯลฯ)
· อุตสาหะ
อภิธานศัพท์
- เวิร์กโฟลว์ – ลำดับเหตุการณ์จริงของการสร้างเพลง กระบวนการซ้ำๆ ในการทำแพทเทิร์น โครงสร้างเพลง และมิกซ์
- วนซ้ำ – ลำดับของเสียงที่เล่นซ้ำแล้วซ้ำอีก อาจหมายถึงการตัดสินใจที่สร้างสรรค์ภายในแทร็กหรือตัวอย่างแหล่งที่มา
- มิกซ์ – วิธีที่เสียงโต้ตอบกัน มิกซ์เสียงเป็นกระบวนการปรับระดับเสียงและความถี่เพื่อให้ฟังง่าย เปรียบเสมือนการเปลี่ยนสีของสีต่างๆ และผสมผสานกันบนผืนผ้าใบ
- Wrapper – หน้าต่างที่ FL Studio เปิดปลั๊กอินต่างๆ
- Riser – เสียงเดี่ยวหรือเสียงหลายชั้น เช่น ลีดหรือ “สวีป” ที่เพิ่มระดับเสียงหรือระดับเสียงอย่างช้าๆ เพื่อสร้างเอฟเฟกต์สะสม Downsweep – เครื่องมือเปลี่ยนผ่านซึ่งโดยพื้นฐานแล้วจะเป็นการย้อนกลับของไรเซอร์
(ที่มาของภาพ:
ขั้นตอนที่ 1: ก่อนเริ่มเพลง
บันทึก:
โปรดิวเซอร์หลายรายพบว่าการวางแผนก่อนที่จะสร้างเสียงจริงนั้นมีประโยชน์ หากคุณรู้สึกสบายใจที่จะกระโดดลงสนามจริง งั้นก็ลุยเลย นอกจากนี้ พึงระลึกไว้เสมอว่าไม่มีกฎเกณฑ์ใดๆ เมื่อพูดถึงจังหวะหรือการตัดสินใจอย่างสร้างสรรค์สำหรับการผลิตเพลง
เริ่มต้นด้วยการเลือกจังหวะที่เหมาะกับแนวเพลงที่คุณต้องการ ขึ้นอยู่กับเวิร์กโฟลว์ที่สร้างสรรค์ของคุณ นี่อาจเป็นจุดที่คุณตัดสินใจว่าเพลงจะเป็นแนวเพลงและประเภทย่อยใด บทช่วยสอนนี้จะครอบคลุมขั้นตอนทางเทคนิคเพื่อให้ได้เสียงบางอย่าง แต่สามารถนำไปใช้กับแนวเพลงอื่นๆ ได้มากมาย
บันทึก:
ก่อนสร้างเสียงเพิ่มเติม สิ่งสำคัญคือต้องจัดระเบียบโปรเจ็กต์ของคุณ เพื่อที่จะหาตัวอย่างแต่ละตัวอย่างและตำแหน่งของมันในมิกเซอร์ได้ง่าย
องค์กร
ตรวจสอบให้แน่ใจว่าเสียงหรือซินธิไซเซอร์ใหม่แต่ละรายการมีชื่อ แทร็กเพลย์ลิสต์ และช่องมิกเซอร์เป็นของตัวเอง ซึ่งทั้งหมดนี้สามารถเปลี่ยนชื่อและกำหนดรหัสสีได้!
ตั้งชื่อรูปแบบของคุณเป็นคำอธิบายเพื่อที่คุณจะได้ไม่ต้องค้นหาผ่านรูปแบบเหล่านั้น
คลิกขวาที่รายการที่คุณต้องการเปลี่ยนคุณสมบัติของจะช่วยให้คุณเลือก “เปลี่ยนชื่อ/สี”
คลิกซินธิไซเซอร์หรือแซมเพลอร์ แล้วคลิกลูกศรซ้ายบนของแรปเปอร์ จากนั้นเลือก “แทร็กมิกเซอร์ฟรี” ซึ่งจะกำหนดซินธิไซเซอร์ให้กับช่องมิกเซอร์ที่เปิดถัดไป นอกจากนี้ยังสามารถเปลี่ยนชื่อและระบายสีช่องมิกเซอร์เพื่อวัตถุประสงค์ขององค์กรได้
คุณยังสามารถบันทึกทั้งโปรเจ็กต์ของคุณเป็นเทมเพลตใหม่ได้ ดังนั้นคุณจึงไม่ต้องทำเช่นนี้ในแต่ละครั้ง ที่ด้านบนซ้ายของ FL Studio ให้คลิกไฟล์ -> บันทึกเป็นเทมเพลต
ขั้นตอนที่ 2: เริ่มเพลง
บันทึก:
บางคนชอบสร้างกลองลูปก่อน แต่มักจะเป็นประโยชน์ที่จะทำต่อไปในกระบวนการสร้างสรรค์เพื่อหลีกเลี่ยงความสมบูรณ์แบบที่เบี่ยงเบนจากเป้าหมายสูงสุดของเพลงซึ่งเป็นดนตรีและความสอดคล้องกัน บ่อยครั้ง โปรดิวเซอร์จะฟังกลองและท่วงทำนองเดียวกันซ้ำๆ เพื่อปรับเอฟเฟกต์และอีควอไลเซอร์เพื่อให้ได้มิกซ์ที่ "สมบูรณ์แบบ" ตอนนี้ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการได้ไอเดียบนโต๊ะให้ได้มากที่สุด ผลกระทบและอีควอไลเซอร์จะกล่าวถึงในหัวข้อต่อไป
สุ่มตัวอย่าง
มีหลายวิธีในการเริ่มเพลง แต่หนึ่งในวิธีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือการสุ่มตัวอย่าง ทางออนไลน์ คุณจะพบกับผลงานก่อนหน้าและเพลงประกอบมากมายที่ให้รากฐานอันแข็งแกร่งด้านเสียงไพเราะ*
- เมื่อคุณพบตัวอย่างที่เหมาะสมแล้ว ให้ลากไฟล์.mp3 หรือ.wav ไปที่ "channel rack" การรู้ว่าคีย์และจังหวะของตัวอย่างต้นฉบับอยู่ในคีย์ใดและจังหวะใด เพื่อให้สามารถปรับระยะพิทช์และการยืดเวลาให้เหมาะกับจังหวะที่คุณเลือก ปรับปุ่ม "เวลา" เพื่อให้จังหวะของคุณตรงกับจังหวะของคลิปต้นฉบับ ซึ่งแสดงที่ด้านบนซ้าย
- ปลั๊กอินที่ยอดเยี่ยมสำหรับกำหนดคีย์ของตัวอย่างคือ “GTune” (รูปที่ 1) เปิดปลั๊กอินนี้ในแทร็กมิกเซอร์ "หลัก" เล่นตัวอย่างในขณะที่ดูอินเทอร์เฟซของ GTune และมันจะบอกคุณว่าตัวอย่างมีโน้ตอะไรบ้าง!
- ลากคลิปจากตัวอย่างไปยังเพลย์ลิสต์และปรับระดับเสียงจนกว่าคุณจะได้คีย์ที่ต้องการ คุณสามารถปรับอัลกอริธึมการยืดเวลาสำหรับเอฟเฟกต์ต่างๆ ได้ การคลิกที่แม่เหล็กที่ด้านบนซ้ายของเพลย์ลิสต์จะเป็นประโยชน์และเลือก "ไม่มี" ตัวอย่างนี้จะเป็นพื้นฐานสำหรับเมโลดี้และโครงสร้างเพลงของคุณ อย่าลืมเปิดสแนปไปที่ "เซลล์" อีกครั้งเมื่อคุณพร้อมที่จะวางรูปแบบลงในเพลย์ลิสต์!
ขั้นตอนที่ 3: ติดตามเค้าโครง
บันทึก:
บทนำที่แท้จริงของดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ส่วนใหญ่มักมีลักษณะเฉพาะด้วยการวนรอบกลองและเอฟเฟกต์เสียงที่มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ จนกว่าจะมีการแนะนำ "พังทลาย" อันไพเราะ ส่วนนี้เป็นส่วนที่คุณมีความยืดหยุ่นมากที่สุดในแง่ของความยาว เป็นสิ่งสำคัญที่จะไม่กระโดดลงไปใน "เนื้อและมันฝรั่ง" ของเพลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเป้าหมายของคุณคือความสำเร็จในเชิงพาณิชย์
โครงสร้างเพลง
- บทนำ
- แตกหัก
- Buildup
- หยด
- (ซ้ำ 2-4)
สิ่งสำคัญคือต้องเปลี่ยนระหว่างท่อนเหล่านี้ของเพลงอย่างราบรื่นโดยใช้ตัวยก เสียงต่ำ และกลอง ขึ้นอยู่กับความกระฉับกระเฉงที่คุณต้องการให้เพลงของคุณมี การแยกย่อยทั้งหมดสามารถสร้างขึ้นจนถึงการดรอป อย่างไรก็ตาม ศิลปินหลายคนพบว่าการพังทลายอย่างช้าๆ หรือเรียบง่ายช่วยให้หายใจได้สำหรับแทร็กที่ซับซ้อน ธีมทั่วไปในรายละเอียดต่างๆ ได้แก่ คอร์ดเปียโน ซินธ์ "ฉุนเฉียว" และตัวอย่างเสียงร้อง
ขั้นตอนที่ 4: การสร้างรากฐาน
เมโลดี้พื้นฐาน
เปิดซินธิไซเซอร์ เช่น Sylenth1, Serum หรือ Massive แล้วเลือกพรีเซ็ตแบบง่าย เช่น เปียโนหรือทองเหลืองเพื่อให้ฟังง่าย สำหรับเพลงที่ก้าวหน้าและยาวขึ้น ขอแนะนำให้สร้างเมโลดี้อย่างน้อย 8-16 แท่งเพื่อไม่ให้ซ้ำซากจนเกินไป สำหรับเพลงที่มีพลังมากขึ้น ท่วงทำนอง 4 แท่งที่แตกต่างกันไปอาจเพียงพอหากเสียงอื่นๆ เปลี่ยนไป
คลิกที่ซินธิไซเซอร์ของคุณแล้วเปิดเปียโนโรลขึ้นมา คุณสามารถวางโน้ตโดยใช้เครื่องมือดินสอเพื่อวางโน้ตทีละรายการ หรือใช้เครื่องมือแปรงเพื่อคลิกและลากสำหรับโน้ตหลายรายการในแถว การเล่นตัวอย่างในขณะที่สร้างทำนองของคุณอาจเป็นประโยชน์เพื่อให้แน่ใจว่าพวกเขาอยู่ในเวลาและอยู่ในคีย์
เมื่อคุณมีทำนองแล้ว คุณสามารถเริ่มสร้าง "แพทช์" ของซินธิไซเซอร์ หรือการกำหนดลักษณะและเสียงต่ำ
เมโลดี้ ทริค & ทริค
การคัดลอกเมโลดี้และเลื่อนขึ้นหรือลงเป็นอ็อกเทฟจะให้เอฟเฟกต์ "คอร์ด" วิธีที่รวดเร็วที่สุดในการทำเช่นนี้คือกด ctrl+A จากนั้นกด ctrl+C จากนั้นกด ctrl+V และสุดท้าย ctrl+shift+ขึ้นหรือลง ลูกศร (ctrl+ลูกศรขึ้นหรือลงเพื่อเลื่อนโน้ตที่เลือกไปหนึ่งเสียง)
ดนตรีเฮาส์มีความหลากหลายอย่างมาก ดังนั้นท่วงทำนองจึงเรียบง่ายหรือซับซ้อนมาก ลองผสมผสานท่วงทำนองที่แตกต่างกันสองแบบกับเสียงสังเคราะห์ที่แตกต่างกันในคีย์เพื่อการพัฒนาแบบไดนามิก
ซินธิไซเซอร์บางตัวมีฟีเจอร์ “เลกาโต” ที่จะ “แกว่ง” ไปยังโน้ตตัวถัดไปหากมีการทริกเกอร์ก่อนโน้ตตัวถัดไปจะสิ้นสุดลง เปิดใช้งานคุณสมบัตินี้บนซินธิไซเซอร์ของคุณ และขยายโน้ตที่คุณต้องการให้เอฟเฟกต์นี้สิ้นสุดลงหลังจากที่โน้ตถัดไปเริ่มต้นขึ้น
นี่คือตัวอย่างท่วงทำนอง 3 ชั้น และวิธีที่พวกเขาสามารถใส่ลงในเพลงเฮาส์อันไพเราะได้อย่างง่ายดาย!
ขั้นตอนที่ 5: การสังเคราะห์
บันทึก:
Serum และ Sylenth1 เป็นปลั๊กอินที่มีประสิทธิภาพและราคาไม่แพงสองตัวที่สามารถซื้อได้ในแผนการชำระเงินที่ 10-13 ดอลลาร์ต่อเดือน ไม่จำเป็นต้องซื้อซินธิไซเซอร์ เนื่องจากปลั๊กอินฟรีบางตัวที่ง่ายที่สุดจาก FL Studio นั้นทรงพลังอย่างยิ่ง แม้ว่าคำแนะนำนี้จะแสดง Sylenth1 แต่คำแนะนำสามารถใช้กับซินธิไซเซอร์ใดก็ได้
ลูกค้าเป้าหมาย
เพลงของคุณน่าจะมี "ลีด" หลายประเภท ซึ่งจะถูกกำหนดให้เป็นเครื่องดนตรีไพเราะที่มีความถี่สูงกว่าที่สังเคราะห์จากรูปแบบคลื่นต่างๆ หนึ่งหรือหลายตัวอย่าง ซึ่งพื้นฐานที่สุด ได้แก่ คลื่นไซน์ เลื่อย สี่เหลี่ยม และสามเหลี่ยม การสังเคราะห์เป็นกระบวนการขั้นสูง ดังนั้นจึงแนะนำให้คุณอ่านคู่มือการใช้งานหรือทำความคุ้นเคยกับซินธิไซเซอร์ที่คุณเลือกเพื่อสร้างลีดของคุณเอง (หากคุณเป็นมือใหม่ คุณสามารถเริ่มใช้เสียงที่สร้างไว้ล่วงหน้าที่มาพร้อมกับซินธิไซเซอร์ ซึ่งพบได้โดยการกดลูกศรสีขาวที่มุมซ้ายบนของเสื้อคลุม)
ซุปเปอร์ซอว์ลีด
เปิดโปรแกรมที่คุณเลือกและเลือกค่าเริ่มต้นหรือ "init" ที่ตั้งไว้ล่วงหน้า
มี "ออสซิลเลเตอร์" สี่ตัว โดยพื้นฐานแล้วเครื่องจักรที่ทำซ้ำรูปคลื่นบางรูปอย่างรวดเร็ว ใน Sylenth1 คุณสามารถเลือกรูปคลื่นได้หลากหลาย โดยแต่ละแบบจะมีเสียงที่แตกต่างกันออกไป การเปิดออสซิลเลเตอร์หลายตัวที่มีรูปคลื่นต่างกันสามารถสร้างชุดค่าผสมที่ฟังดูเจ๋งได้ คุณลักษณะที่มีประโยชน์คือ "การเปล่งเสียง" ซึ่งจะสร้างตัวอย่างเพิ่มเติมของรูปคลื่นเพื่อให้เล่นพร้อมกันทั้งหมด
หมุนปุ่มปรับระดับเสียงขึ้นจนสุดบนออสซิลเลเตอร์ตัวใดตัวหนึ่งและตรวจดูให้แน่ใจว่าได้ตั้งเป็นคลื่นเลื่อย
เพิ่มเสียงของออสซิลเลเตอร์หนึ่งตัวเป็น 8 และหมุนปุ่ม "detune" ให้อยู่ที่ประมาณ 1/3 ของค่าสูงสุด
หากเสียงที่ได้นั้น "หยาบ" เกินไป ให้เพิ่มระดับเสียงขึ้นหนึ่งอ็อกเทฟบนอินเทอร์เฟซของออสซิลเลเตอร์ ตอนนี้คุณมีสายจูงซุปเปอร์ซอว์พื้นฐานแล้ว!
เปิดแถบเลื่อน "R" ที่เขียนว่า "Amp Env"
สิ่งนี้จะเพิ่ม "การปล่อย" ให้กับผู้นำหรือช่วงเวลาสั้น ๆ หลังจากหยุดเล่นโน้ตว่าผู้นำจะเล่นต่อไปและไล่ออก การปล่อยมีประโยชน์สำหรับเสียงที่เป็นธรรมชาติและไม่กระทันหันน้อยลง ขั้นตอนต่อไปคือการใส่เอฟเฟกต์บางอย่างกับลีดนี้เพื่อให้ฟังดู "ดิบ" หรือ "แห้ง" น้อยลง
กดที่ช่องข้าง "Reverb" และ "Delay" จะไม่มีการสำรวจการตั้งค่าของเอฟเฟกต์เหล่านี้ในคู่มือนี้ แต่คุณสามารถเล่นกับการตั้งค่าเพื่อให้ได้เสียงที่คุณต้องการได้อย่างง่ายดาย
ขั้นตอนที่ 6: การผสม
หากคุณยังไม่ได้ดำเนินการ ให้กำหนดซินธิไซเซอร์ของคุณให้กับแทร็กมิกเซอร์ฟรี ตามหลักการแล้ว แต่ละเสียงในเพลงของคุณจะมีแทร็กมิกเซอร์ของตัวเอง เพื่อให้คุณปรับระดับเสียงได้อย่างง่ายดาย มิกซ์เป็นหัวข้อที่ซับซ้อน แต่หน้าที่สำคัญของมันคือเพื่อให้แน่ใจว่าเสียงในเพลงเข้ากันได้ดี
ทุกเพลงประกอบด้วยความถี่ตั้งแต่ 20 Hz ถึง 20 kHz ซึ่งเป็นช่วงการได้ยินของมนุษย์ที่มีประสิทธิภาพ ช่วงนี้สามารถแบ่งออกเป็นเสียงเบสย่อย (20-80 Hz), เบส (ประมาณ 80-160 Hz), ช่วงกลาง (160-3000 Hz) และความถี่สูง (3000-20000 Hz)
เครื่องมือหลักเพื่อให้แน่ใจว่าแต่ละช่วงความถี่มีระดับเสียงที่เหมาะสมคือการควบคุมระดับเสียงและการปรับสมดุล เครื่องมือต่างๆ จะใช้ช่วงความถี่ที่แตกต่างกัน ดังนั้นจึงต้องปรับทีละรายการและไม่ซ้ำกันตามชุดค่าผสมที่คุณเลือกไว้
ไม่มีกฎเกณฑ์ใดที่ควบคุมวิธีการผสมทุกครั้ง หลักการง่ายๆ ก็คือ ถ้าอะไรที่ฟังดูดีก็ใช้มันซะ! ปัญหาเดียวของเรื่องนี้คือการที่ผู้ผลิตหูของคุณเริ่มต้นไม่ได้รับการฝึกฝนและคุณอาจไม่สามารถระบุได้ว่าสิ่งใดฟังดูดี
บันทึก:
กระบวนการผสมสามารถเปรียบเทียบได้เหมือนผ้าใบที่ใช้สำหรับการวาดภาพ สีที่ต่างกันคือเครื่องดนตรีของคุณ และการแปรงพู่กันเป็นการจัดเรียงเครื่องดนตรีเหล่านี้ของคุณ ตามสัญชาตญาณแล้ว หากจิตรกรเพียงวางสีหลายๆ สีทับกัน สีที่ได้จะแตกต่างจากสีดั้งเดิม และจะไม่ดูดีเลย! แนวคิดเดียวกันนี้ใช้กับเครื่องมือและความถี่ของคุณ หากเครื่องดนตรีสองชิ้นใช้ความถี่เท่ากัน เครื่องดนตรีทั้งสองจะรบกวนกันและให้เสียงที่ไม่ค่อยดีนัก หากระดับเสียงรวมเกินศูนย์เดซิเบล เครื่องดนตรีจะ "หนีบ" หรือบิดเบี้ยว สิ่งสำคัญคือต้องหลีกเลี่ยงการตัดโดยไม่ตั้งใจ นี่คือจุดเริ่มต้นของการควบคุมอีควอไลเซอร์และระดับเสียง
อีควอไลเซอร์
ขั้นแรก เปิดมิกเซอร์และเลือกแทร็กที่ซินธิไซเซอร์เชื่อมโยงกับ คลิกลูกศรอันใดอันหนึ่งแล้วเลือก "Fruity Parametric EQ 2" ตอนนี้คุณสามารถปรับระดับเสียงของช่วงความถี่ทั้งหมดได้แล้ว โดยทั่วไปแล้ว จะดีกว่าถ้าลดหรือ "ตัด" ความถี่แทนที่จะเพิ่มความถี่ เพื่อป้องกันการตัดทอน ต่อไปนี้คือแนวทางทั่วไปบางประการสำหรับการปรับสมดุลของเครื่องมือต่างๆ
ลีด – ตัดเสียงต่ำลงอย่างมาก ประมาณ 200-300 Hz เพื่อป้องกันการปะทะกับกลองและเบส เมื่อเล่นลีดหลายตัวพร้อมกัน พยายามตัดความถี่กลางของแต่ละเสียงที่ส่งผลต่อลักษณะของลีดให้น้อยที่สุด เพิ่มเล็กน้อยประมาณ 10 กิโลเฮิรตซ์หากต้องการเอฟเฟกต์ "เสียงดัง" หรือ "หวือหวา"
เบส – ตัดให้ต่ำกว่า 20-30 Hz เพื่อขจัดความถี่ที่ไม่ได้ยินที่จะรบกวนกลอง ขั้นตอนนี้ไม่จำเป็นแต่จำเป็นสำหรับผู้พูดรายใหญ่ เช่น คลับและคอนเสิร์ต เพิ่มเบา ๆ จาก 40-160 Hz และตัดในระดับปานกลางที่สูงกว่า 300 Hz
เตะ – การทำให้เท่าเทียมกันของการเตะนั้นเป็นการตัดสินใจที่สร้างสรรค์โดยขึ้นอยู่กับโทนเสียงของกลุ่มตัวอย่าง ตรวจสอบให้แน่ใจว่าการเตะของคุณได้รับการเร่งหรือประมาณ 60-200 Hz ซึ่งไม่ควรขัดแย้งกับเสียงเบสอย่างมาก เนื่องจากโดยทั่วไปแล้วคุณจะไม่เล่นพร้อมกันทุกประการ ตัดความถี่ตามดุลยพินิจของคุณตั้งแต่ 200-2000 เฮิรตซ์ เนื่องจากช่วงนี้มีความเสี่ยงมากที่สุดที่จะเกิดการหนีบและมีความสำคัญน้อยที่สุดต่อลักษณะของการเตะ 2-10 kHz คือช่วงที่จะกำหนดว่า "การเตะ" ของคุณเป็นอย่างไร และระดับความถี่ในช่วงนี้มักจะเป็นการตัดสินใจที่สร้างสรรค์
บ่วง - หนึ่งในเสียงที่ยากที่สุดในการปรับแต่งเสียง บูสต์เบา ๆ ประมาณ 200-400 Hz ช่วง 500-1000 Hz มักมีความถี่ที่ไม่ต้องการ และคุณควรตัดเฉพาะในช่วงนี้ ความถี่ 2-10 kHz สำคัญที่สุดในการ "แตก" หรือ "สแนป" ของบ่วง ดังนั้นให้ทดลองเพิ่มความถี่ที่ความถี่ต่างกันเล็กน้อยในช่วงนี้
คุณควรปรับทุกเสียงในเพลงให้เท่ากัน แม้ว่าจะเป็นเพียงการตัดความถี่ที่ไม่ต้องการก็ตาม เป็นไปได้เสมอว่าสิ่งที่คุณไม่ได้ยินอาจรบกวนเครื่องดนตรีของคุณ!
ตอนนี้คุณรู้พื้นฐานของการสร้างเพลงใน FL Studio แล้ว ขอให้โชคดีในความพยายามทางดนตรีของคุณ!